__________________________________PATRICIA REINHART CV // Paintings // Films // Portraits // Press // Texts // Contact // Imprint |
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// Text by Gabriela Anco, 2019
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A good painting starts with a line. A line — which the painter is to work and rework, search for, unveil and eventually grasp. Every line is different, or should be so. Reflecting shades of supernatural light, the paintings invite the viewer in the mystical and strange cycles of life and its origin. As a reference to the title, the austerity of the enchanted pattern of reproduction of flowers transpires through the brush strokes as to remind us of the magic, which is the starting point of our existence. |
Un beau tableau commence par un trait. Ce trait – que le peintre travaille et retravaille, cherche, qui se dévoile et – éventuellement – se saisit. Chaque trait est différent, ou du moins, devrait l'être. |
// Text by Carine Dolek, mowwgli, 2017 and 2019
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Patricia Reinhart, l’élémentaire élément femme |
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// Text by Emmanuelle Day, 2016
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Movement is at the center of Patricia Reinhart’s new series of watercolor paintings. The movement of the paint along the surface of the canvas but also dramatic interior movements. The painting titles are allegories for the evolution of emotional states. The series of paintings which began in 2015 with Patience I – La Tempête / Tourmente continues into the present with Patience XV – Über die Notwendigkeit des Zerschmetterns. |
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Daniela Baldelli: Ta pratique artistique occupe deux domaines très différents, l’installation vidéo et la peinture. Selon toi, comment les zones communes ou les limites de ces deux modes d’expression se cristallisent-elles? |
Daniela Baldelli: Die künstlerische Praxis von Patricia Reinhart spielt sich in zwei unterschiedlichen Medien ab. Video(installation) und Malerei. |
An acausal connection of a significant coincidence of physical and psychological phenomena. |
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It was a late Sunday afternoon in the summer of 2014, when I met Patricia Reinhart for the first time. Introduced by a mutual friend of ours, we ended up spending a rainy afternoon together on the terrace of Palais de Tokyo. |
All the works on display were projected and installed in a non-classical way: a screening of her video Die ihr Brot mit Tränen aß (Requiem for an unendurable paradise) was projected from an open window on the wall of the neighboring building, a super 8 film projection of Ophelia was projected on the back of a painting, a paper with a handwritten love poem was rotating on a record player … The ensemble created surprising encounters in the exhibition space: the entity floated into an opaque gradual degradation of surroundings and eventually, allowing me to forget where I was. |
// Exhibition text by Petra Henninger, Austria contemporary, Sammlung Essl, Austria, 2008 |
Verwelkte Blumensträuße als Zeugnisse einer bereits verblühten Pracht sind vielleicht Attribute des Weiblichen. Von Fruchtbarkeit auch, denn jeder Verkündigungsengel auf den Tafelbildern des 15. Jahrhunderts hat eine Blume dabei, meist eine Lilie und keine Rose. Er gibt sich damit als derjenige zu erkennen, der Maria die Kunde von ihrer unbefleckten Empfängnis überbringt. Das ist und bleibt ein Rätsel: Sei’s drum, die Welt ist voll davon. Der Blumenstrauß ist hier jedoch kein typisch weibliches Attribut, sondern steht für das Zerbrechliche im Menschen. Meist sind die Sträuße mit schwarzer Kohle in die übereinandergelegten Farbschichten eingezeichnet. Das erhöht ihre fragile Wirkung. Oft wird das Dunkle, Darunterliegende freigelegt. Vielleicht scheinen hier schon „Die Gesänge des Maldoror“ von Comte de Lautréamont durch. Ein Text, den sehr viel später die Surrealisten aufgegriffen haben. Lautréamont wird – komisches Detail der Geschichte – der Großvater der Surrealisten genannt, was angesichts der Tatsache, dass er bereits mit 24 Jahren verstarb, seltsam anmutet. Die Textpassagen dieses Dichters, von dessen Leben nur wenig bekannt und dessen Werk nur fragmentarisch überliefert ist, sind Assoziationsräume, in denen es sich prima aushalten und arbeiten lässt. Der Tod ist ja nur ein Teil des Lebens und mit Düsternis und Depression nicht zu verwechseln. Das versteht kaum jemand. Mir war aber gleich klar, dass es in den Gemälden und Videos von Patricia Reinhart nicht um ein Weinen in dunklen Kellern geht. Das zeichnerische Moment und die Reduktion auf die Linie blenden das anatomisch Unwichtige aus. Und die Figuren haben immer eine kritische Distanz zur Welt, die sie umgibt. Sie stellen sich bewusst außerhalb der Gesellschaft und verbergen ihr Innerstes. Ihr Menschsein ist in Konflikt mit der Außenwelt, die durch das Fenster eines Zugabteils hereinscheint oder durch Blumenranken auf nächtlichem Schwarz hindurchschimmert. Das passt zu den schönen, weiß geschminkten Gesichtern der abgebildeten Stummfilmstars, starke Frauen, von denen keiner mehr Notiz nahm, als der Stummfilm zum Tonfilm wurde. Da hatten sie das Bild der Frau in der Gesellschaft aber schon gründlich verändert und auch den einfachen Frauen auf der Straße endlich eine Stimme gegeben. Im Melodram, dem klassischen Frauengenre, tummelten sich Engelein wie Satansbraten und stießen auf Gegenliebe bei Telefonistinnen und Ladenmädchen, die endlich die Freiheit hatten, sich auf den Straßen der Großstädte zu bewegen und Zigaretten zu rauchen. Lyda Borelli, ein Stummfilmstar der 1910er Jahre, umging die Schmach des Ausgemustertwerdens, indem sie sich frühzeitig wieder ins Privatleben zurückzog. Andere wie Asta Nielsen traf es härter. Mit der Malerei ist es, wie mit dem Leben, ein richtiger Kampf. Da kann es passieren, dass man ein Bild ruck, zuck zerstört hat. Eine winzige Unachtsamkeit genügt und die Komposition ist unrettbar verloren. Das Schwarz erinnert an eine Schultafel, auf der mit Lackstift geschrieben werden kann. Glänzende und matte Flächen wechseln sich ab. An manchen Stellen verläuft die Farbe, bildet Schlieren, und die Welt oder Details von ihr verschwimmen vor den Augen. Eine Überblendung führt direkt zum Video: in mühsamer Kleinarbeit aus einzelnen Fotos hergestellt. Die Cinecollage ist eine One-Woman-Production, und die Entscheidung, alles allein anzufertigen, ist nicht durch ökonomische Zwänge bestimmt, sondern wurde ganz bewusst getroffen. Malen, hier der Ursprung und die Wurzel allen Tuns, tut man für gewöhnlich auch nicht zu zweit. Die Produktionsdauer der Filme ist enorm, aber schließlich ist die Animationsund Montagearbeit nicht eintönig, denn stets gelingt die Flucht zum Bezugspunkt: zur Malerei, dem Ausgangspunkt allen Tuns in diesem Universum. Springen zwischen den Medien. Und die Motive/Themen/Anliegen werden auf verschiedenen Ebenen durchgespielt: Malerei, Zeichnung, Video. Ruckartig wandert das Figurenkabinett durch Landschaften und Räume. Die Ruckartigkeit spitzt die sowieso schon pathetische Stummfilmgeste, um die es hier geht, bis ins Groteske zu. Um die Cinecollage herum gibt es die Inszenierung, und die ist wichtig. Nichts wird dem Zufall überlassen. Die Cinecollage wird in ein leuchtendes Meer von Kerzen, in Trauerkränze und Blumenschmuck eingebettet. Gaze, bewegt durch Meereswind, fungiert als Bildträger. Was ist das Allerwichtigste? Die Nostalgie, die Dunkelheit, die Nächte als Arenen der Furcht und Beklemmung. So huschen die Wolken eines bewegten Himmels plötzlich über einen mit üppigem Jugendstildekor ausgestatteten Festsaal. Im Spiegel räkelt sich eine weißhäutige Schönheit mit üppiger blonder Perücke, deren Haar sich wie ein Wasserfall über den Körper ergießt. Spiegel stiften Verwirrung: Rekonstruktionen des Ichs in glänzenden Bildvariationen, von der Psychoanalyse bis in die tiefsten Tiefen erforscht. Abgründe. Monster. In eckigen Bewegungen ruckelt und zuckelt die Geküsste wie eine Marionette. Gibt sie sich hin oder kämpft sie etwa gegen die Annäherung? Ist der Kuss Attacke oder Lust? Schöne Leichen gleiten vorüber. Auf dem Styx in den Hades der Filmgeschichte. Dazu ertönen Klänge, die auf Henry Purcell zurückgehen. Aufwendig bearbeitet, gemischt und verfremdet. Man möchte mitschwimmen und in diesen Kosmos eintauchen, um die Sehnsucht zu erleben und in eine andere Welt hinüberzublicken, bevor sie verblasst, verschwindet und unwiederbringlich passé ist. |
Wilted flowers as testimony to former glory now past its prime may be attributes of womanhood. And of fertility, for every angel of annunciation in 15th century paintings carries a flower, usually a lily and not a rose. They use it to reveal themselves as the ones bringing Mary the tidings of her immaculate conception. It is and will remain a mystery: so be it, the world is full of them. In this particular case, however, the bunch of flowers is not a typically female attribute but stands for the fragility of human beings. Usually the bunches are drawn with black charcoal into the superimposed paint layers. This heightens the effect of fragility. The dark area lying beneath is often exposed. Perhaps “Les Chants de Maldoror” by the Comte de Lautréamont, a text the Surrealists picked up on much later, are shining through here. The author is called – a quaint detail of history – the grandfather of Surrealists, which seems strange given that he died when only 24 years old. The texts by this poet, whose life is only known in part and whose work has survived only in fragments, are spheres of association where it is good to dwell and work. Death is only a part of life and should not be confused with darkness and depression. Hardly anyone understands that. But I immediately realised that the paintings and videos by Patricia Reinhart are not about sobbing in a dark basement. The element of drawing and the reduction to single lines filter out what is anatomically unimportant. And the figures always keep a critical distance to the world around them. They deliberately seek a place outside of society and their innermost feelings are not disclosed. Their humanity is in conflict with the outside world that shines in through a train window or shimmers through tendrils of flowers on to nocturnal black. It befits the beautiful, palely made up faces of the silent movie stars depicted, strong women who vanished from prominence as silent movies became talking movies. By that time they had already profoundly changed the image of women in society and given a voice to the simple women in the street. Melodrama, the classical genre for women, was studded with angels and vamps to be appreciated by switchboard girls and shop girls who finally had the freedom to roam the streets of big cities and smoke cigarettes. Lyda Borelli, a silent-movie star from the 1910s, avoided the shame of being discarded by retiring from the screen prematurely. Others, such as Asta Nielsen, were hit harder. Painting is a real struggle, as is life. It can happen that a painting is destroyed at the drop of a hat. A tiny moment of carelessness and the composition will be lost beyond rescue. The black reminds one of a blackboard on which one can write with a lacquer pen. Shiny and matte areas alternate. In some places the paint runs or streaks and the world or some of its details become blurred. Cross fading to the video: created in painstaking detail from still photographs. The ciné-collage is a one-woman production and the decision to do it alone was not informed by economic constraints but taken very deliberately. After all, painting, the root cause of all action in this case, is not a task one would share either. It takes enormous time to produce the films, but at the end of the day the animation and montage is not monosyllabic, for it always relates to its point of reference and departure: painting, the starting point of all activity in this universe. Media hopping. And the motifs/themes/issues are addressed at several levels: painting, drawing, video. The collection of figures roams through landscapes and rooms in stop-and-go motion. The stop-and-go element exacerbates to grotesque levels the silent-movie gesture, which this is all about and which is full of pathos to begin with. The ciné-collage is surrounded by stage-setting, an important element. Nothing is left to chance. The collage is embedded in a glowing sea of candles, between wreaths and floral decorations. Gauze, moved by a sea breeze, acts as a canvas. What is the most important thing? Nostalgia, the darkness, the nights as arenas of fear and oppression. The clouds of an agitated sky are suddenly moving across a festive hall decorated in sumptuous art nouveau. In the mirror one sees a pale-skinned beauty lounging seductively, the abundant blond hair of her wig flowing across her body like a waterfall. Mirrors create confusion: reconstructions of the self in shiny variations, explored by psychoanalysis down to the profoundest depths. Abysses. Monsters. The woman being kissed moves in fitful jerks, like a puppet on a string. Is she giving in to the kiss or struggling against it? Is the kiss an assault or the expression of lust? Beautiful corpses gliding past. On the Styx river into the Hades of movie history. Accompanied by sounds going back to Henry Purcell. Edited, mixed and altered with great dedication. One would like to swim along and dive into this cosmos, to experience the longing and look into another world before it pales, disappears and becomes irretrievably |