A good painting starts with a line. A line — which the painter is to work and rework, search for, unveil and eventually grasp. Every line is different, or should be so.
Patricia Reinhart’s lines are fluid, yet firm. In a nurturing, motherly way they surround and caress the shapely volumes. The paintings engulf the viewer in; invitingly. In a psychic manner, rainbows become paths, and paths intertwine in fuzzy bulks of watercolor cotton.
Master of her shapes, Reinhart punctures, cracks, cuts them (off), deflates and lets them leak or strangles and molds them. In a quasi sculptural process, she assembles her paintings, layering the forms and the pigments.
Evoking the unavoidable earthly physical constructions of Gaia, that result from natural cataclysms as volcano eruptions, tsunamis or simply the passing of time, the paintings’ organic contours bring about layers of mountains, soil, seashells or tree rings.

As flat as a painting is meant to be, here, we’re lost in a voluptuous dimension à la trompe l’oeil, which denotes — and in a quite obvious way — that the Painter’s line was ascertained through years of work, practice and voyage, refining a figurative aspect into today’s self owned abstract configuration. It is indeed the Viennese academic tradition, surrounded by the likes of acclaimed curators Harald Szeemann and Kasper König, that transpires in the persevering gestures of the artist, the kernel of the work.

The exhibition IN BLOOM in the space of Galerie Mansart forges a natural (prophetic) topography of the pictorial creation of Patricia Reinhart. A profound and limitless landscape, capturing the viewer in the center point of a galaxy, where each painting would represent one of the unlimited number of perspectives. In consensus with pioneering female painters such as Joan Mitchell, Martha Jungwirth, Georgia O’Keefe, Helen Frankenthaler — Reinhart’s work is not disclosing a feminist aspect, rather a feminine discourse, revealing honest human angles.

Reflecting shades of supernatural light, the paintings invite the viewer in the mystical and strange cycles of life and its origin. As a reference to the title, the austerity of the enchanted pattern of reproduction of flowers transpires through the brush strokes as to remind us of the magic, which is the starting point of our existence.

Un beau tableau commence par un trait. Ce trait – que le peintre travaille et retravaille, cherche, qui se dévoile et – éventuellement – se saisit. Chaque trait est différent, ou du moins, devrait l'être.
Les traits de Patricia Reinhart sont fluides, mais fermes. D’un soin presque maternel, ils entourent et caressent les courbures des volumes. Les toiles engloutissent à leur tour le spectateur, convié à leurs profondeurs.
Dans leur espace psycho-mental, des arcs-en-ciel deviennent sentiers qui s'entrelacent, perdus dans des morceaux d’aquarelle cotonneux. Maîtresse de ses formes, Reinhart perce, fendille, coupe, dégonfle et laisse fuir ou étrangle en moulant. En superposant les formes et les pigments, elle assemble ses tableaux de façon quasi sculpturale. Suggérant les inévitables constructions terrestres de Gaïa, provenant de cataclysmes naturels, d’éruptions volcaniques, de tsunamis ou tout simplement du passage du temps, les contours organiques de ces œuvres citent des couches de montagnes, de terre, de coquillages ou de cernes d’arbres.

Aussi plat qu’un tableau soit censé l’être, ici, nous sommes pourtant perdus dans une dimension voluptueuse à la trompe-l’œil, qui indique - et d’une manière tout à fait évidente - que le trait de la peintre a été établi à travers des années de travail, de pratique et de voyage, raffinant l’aspect figuratif qui se concrétise dans la présente configuration abstraite. Ce trait s’inscrit dans la tradition académique viennoise, reconnu par les commissaires de renom, Harald Szeemann et Kasper König, et fleurit dans les gestes persévérants de l’artiste — noyau de son œuvre.

L'exposition IN BLOOM dans l'espace de la Galerie Mansart, forge une topographie naturelle, et prophétique, de la création picturale de Patricia Reinhart. Un paysage profond et sans limites, capturant le spectateur au centre d'une galaxie, dont chaque tableau représenterait l'une des nombreuses perspectives. Dans la lignée des peintres pionnières telles que Joan Mitchell, Martha Jungwirth, Georgia O’Keefe et Helen Frankenthaler, le travail de Patricia Reinhart ne révèle pas un aspect féministe, mais un discours féminin, faisant surgir des angles humains et francs. Évoquant des nuances de lumière surnaturelle, les toiles invitent le spectateur à découvrir les cycles mystiques et étranges de l’origine du monde. IN BLOOM évoque l'austérité de l’extraordinaire mécanisme de la reproduction de fleurs. Les coups de pinceau nous rappellent, en ce sens, une certaine magie comme point de départ de notre existence.

Patricia Reinhart, l’élémentaire élément femme

La plasticienne autrichienne travaille la sensualité comme fil rouge de l’identité.
« As a woman, after the storm, I lay down my arms. I don’t want to fight anymore or to act like a man. I would love to go to the garden, as a woman. » Artiste plasticienne autrichienne, Patricia Reinhart peint, installe, performe, photographie et réalise ses ciné-collages, montages d’images fixes et mouvantes en still-motion. « Anoir and the woman in the garden » est un ciné-collage qui explore la féminité par le biais d’une sensualité impressionniste et définissante, exprimant une identité en dehors des stéréotypes et du mimétisme de la lutte masculin-féminin. Au carrefour du feu de l’eau de l’air et de la terre, Patricia Reinhart nous rappelle que nous sommes fait-e-s de particules élémentaires.

"Rien n'est plus souple et plus faible que l'eau, mais pour enlever le dur et le fort, rien ne la surpasse. La faiblesse a raison de la force; la souplesse a raison de la dureté. Tout le monde le sait, mais personne ne parvient à le mettre en pratique." Lao Tseu

L'eau est partout dans l'oeuvre de Patricia Reinhart. La masse de la mer qui enserre l'île, les vagues qui lèchent la plage où marche la religieuse, la surface plane des piscines, des lacs où glissent les barques des jeunes femmes de film muets, les rivières où flottent les Ophélie et les nénuphars, les vagues qui explosent, les vagues qui bercent, les flaques qui miroitent, les reflets de la vitre du photomaton d'où elle extrait ses autoportraits, l'eau qui nourrit les jardins luxuriants, l'eau qui compose près de deux tiers du corps de chaque être humain, et recouvre aussi presque deux tiers des terres émergées de la planète. L'eau qui invite à considérer ce qui est caché mais limpide, symbole jungien d'un inconscient à la présence paradoxalement omniprésent, puissant, mais souterrain. Sous marin. Il suffit de bien peu de chose, écrivait-il, "pour faire éclater le semblant d’unité de la conscience, pour la désagréger en ses éléments premiers*". Il suffit de bien peu de chose pour prendre conscience de la pluralité au sein de soi-même. A chaque surface de lac un univers parallèle de l'autre côté de la surface, à chaque miroir un envers, à chaque marée un ressac. Et autant de possibilités, simultanées et vertigineuses, portées par le courant de l'eau, des vagues, des marées, de la répétition des images filmiques, la mise en abîme des jeux de reflets, l'avancée organique de ce qui vit et meurt au rythme des flots, des lever et coucher de soleil, des phases de la lune. Au centre des oeuvres, installations, films et photographies, des figures féminines, autoportraits ou mises en scène, qui, comme les sirènes platoniciennes chantent la musique des sphères que produit l'harmonie de l'univers, incarnant l'énergie qui les entoure et dont elles sont l'émanation. Une énergie de force et de pouvoir qui ne se conquiert pas, ne se dompte pas, mais attend qu'on en prenne conscience. Une mer intérieure qui fait partie intégrante de l'élément femme, qui peut être habitée avec sérénité ou sauvagerie, dans les abysses ou la transparence, et qui peut donner la vie ou la détruire. Un balancement du souffle, la respiration des vagues comme le souffle du chi ou du prana. Nous ne possédons pas le chi, nous sommes le chi. Nous ne possédons pas la vie, nous sommes la vie, nous sommes la force. En abolissant la surface, en passant de l'autre côté, en dissolvant la matière dans l'eau et l'eau dans la matière, en se dissolvant soi dans le temps, les répétitions, les reflets, les floraisons. Je suis la Dame du jardin, dit Patricia Reinhart. Je suis la Dame du jardin, dit le jardin.

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"Nothing is more flexible and weaker than water, but to remove the hard and the strong, nothing surpasses it. Weakness is the reason for strength; flexibility is the reason for hardness. Everyone knows it, but no one can put it into practice. " Lao Tzu

Patricia Reinhart encompasses painting, photography and video installations projected in public spaces. Creating a synergetic yet subtle dialogue between these distinct artworks, her art merges these three mediums in her own original manner.

The Austrian visual artist offers sensuality as a red thread of identity. "As a woman, after the storm, I lay down my arms. I don’t want to fight anymore or to act like a man. I would love to go to the garden, as a woman. "

The imagery of water is present in all of Patricia Reinhart’s video pieces. The sea surrounding the island, the waves stirring the beach where the nuns walk, the flat pool surfaces, the rivers where Ophelias and waterlilies float, the exploding waves, the water nourishing the lush gardens. A Jungian symbol of unconsciousness, water inviting us to consider the hidden yet limpid, powerful yet submerged. It is enough for very little, he wrote, "to shatter the semblance of unity of consciousness, to disintegrate it into its first elements." A plurality of selves, emerging from awareness. Beneath the surface of every lake, exists a parallel universe on the other side, we become aware of the back of the mirror, the surf and the tide. Simultaneous and vertiginous possibilities, carried by the current of water, waves, tides, repetitions of filmic images. In this game of reflections, an abyss of cyclical life and death in the rhythm of waves, sunrises and sunsets and the phases of the moon. Staged self-portraits are the center of her work - installations, films and photographs. These female figures, like the Platonic sirens, singing the music of spheres that produce harmony of the universe, embodying the energy that surrounds them and from which they are the emanation. An energy of strength and power, intractable to be conquered or tamed, but awaiting self-awareness. An island sea that is an integral part of the woman element, which can be inhabited with serenity or savagery, in the dark abyss or transparent surface, and which can give life or destroy it. By abolishing its surface, passing on the other side, dissolving matter in water and water in matter, dissolving itself in time, repetitions, reflections, blooms. I am the lady of the garden, says Patricia Reinhart. I am the lady of the garden, says the garden.

* La dissociabilité de la psyché - C.G. Jung

Movement is at the center of Patricia Reinhart’s new series of watercolor paintings. The movement of the paint along the surface of the canvas but also dramatic interior movements. The painting titles are allegories for the evolution of emotional states. The series of paintings which began in 2015 with Patience I – La Tempête / Tourmente continues into the present with Patience XV – Über die Notwendigkeit des Zerschmetterns.

The passage of color through light, the visible flows of water on the surface of the painting and the movements of the artist’s hand express the latent possibility of the organic form. In this matrix, shaped like a pattern of lines and space, arises a situation or a set of conditions in which something else develops. The weft of the linen canvas becomes visible with the pixilated grain that develops on the edges of the brushes of color.

The painting series Patience is a natural extension of Reinhart’s latest video project Anoir and the Woman in the Garden and features the same emotional landscapes and environments. The paintings in the Patience series are titled: L’Amour, L’Hiver, The Garden, La Forêt et le Ciel. Reinhart’s work is an intensely personal meditation on the figure of the woman embodied by the artist herself who is the actress in all her films. A meticulous layering of film stills, a technique she calls “ciné-collage” allows her to bind still images together and to color film stills.

The poet and art critic Charles Baudelaire remarked that a woman’s hand viewed under a magnifying glass would create a perfect harmony of grey tones, blues, browns, greens, oranges and whites warmed with a bit of yellow. A true colorist might be able to translate these shifts in scale between our microperceptions and visible reality.

The two latest paintings in the series which have been selected for this exhibition, Patience XIV – Attitude / Das weibliche Rückgrat and Patience XV – Über die Notwendigkeit des Zerschmetterns, speak to the need for embodiment and transcendence as well as the passage of time.

Daniela Baldelli: Ta pratique artistique occupe deux domaines très différents, l’installation vidéo et la peinture. Selon toi, comment les zones communes ou les limites de ces deux modes d’expression se cristallisent-elles?

Patricia Reinhart: Il s’agit de deux approches complètement différentes, qui ne sont pas vraiment comparables, mais se complètent l’une l’autre à la fin. Dans les vidéos, la complexité des relations entre les éléments vient du nombre important d’étapes au cours de la production, ainsi que de la durée qui les sépare parfois. Je conçois et réalise chaque élément, de la prise de vue au dispositif de l’installation, en passant par la postproduction, le montage (ou «ciné-collage»), etc. Avec la peinture, en revanche, les choses sont beaucoup plus immédiates.

D.B: En observant ta nouvelle série qui s’intitule Patience, j’ai remarqué que, contrairement aux toiles antérieures, les peintures les plus récentes ne sont pas construites en plusieurs couches.

P.R: C’est un besoin immédiat de peindre directement sur la toile, sans dessin préalable… En peinture, le geste domine. Ces conditions sont totalement différentes de celles du travail vidéo. Je ne peux pas faire deux pas en arrière comme avec la vidéo, par exemple. Si une idée ne fonctionne pas, l’image est détruite - une seule fausse note, une ligne incorrecte peut ruiner toute la composition.

D.B: C’est comme si on pouvait ressentir ce risque en regardant ta peinture. Pour toi, y a-t-il des conditions qui sont nécessaires lors de l’exécution du geste pictural?

P.R: Pour la nouvelle série Patience, j’ai peint exclusivement à l’aquarelle. Cette technique nécessite une approche très différente de la peinture à l’huile. La plupart du temps, je travaille en trois étapes. Chaque geste est méticuleux, presque hypnotique, jusqu’au moment où je réalise que je dois m’arrêter.

D.B: Dans tes images, les mouvements sont clairement perceptibles. Aussi, on voit presque les zones où la ligne peut changer de direction.

P.R: Oui, la répétition du geste pictural est presque quelque chose d’obsessionnel dans ce travail. Les mouvements de rotation visent à donner une profondeur différente à l’ensemble de la composition. Je brise volontairement mon processus de travail pour prendre un nouveau départ, donner une nouvelle origine à l’image.

D.B: Comment décris-tu le moment où ces parties se rencontrent dans l’image?

P.R: Je tourne la toile afin d’éviter qu’une couleur ne coule accidentellement sur une autre. Si je souhaite que deux couleurs se rejoignent, il m’arrive parfois de contrôler délibérément ce mouvement.

D.B: Un bon exemple de cette pratique particulière est ce qu’on peut observer dans la toile Patience III.

P.R: Oui, en faisant seulement tourner la toile, la partie centrale de l’image n’est pas affectée. Quand je décide d’utiliser beaucoup d’eau, comme je peins à la verticale, j’accepte aussi les coulures. C’est inévitable.

D.B: Tu vois toujours le point, la zone de rencontre, voire la collision entre les couleurs. Tu ne peins jamais plusieurs couches.

P.R: En général, l’acte de peindre est accompagné d’un mouvement calme et harmonieux. La couleur est et doit être ce qu’elle est. Dans mon utilisation de la couleur, je ne cherche pas à produire d’effets dramatiques ou obtenir une peinture expressive. Les images se créent dans une certaine paix. Je dois pouvoir prendre mon temps et, au bon moment, décider de poursuivre telle ou telle partie.

D.B: Il y a toujours la possibilité qu’une couleur ne soit pas en harmonie avec la couleur voisine. Néanmoins, à travers la technique que tu développes, tu ne caches jamais cette erreur potentielle, la possibilité d’un échec. Pour moi, c’est quelque chose de très important, cette notion de responsabilité que tu portes. Il semble que la zone de rencontre entre les couleurs est indirectement influencée par ton travail vidéo, dans lequel tu composes magistralement les scènes et les décors. Le point de collision est visible, le risque évident. C’est ce que j’aime le plus dans ton travail.

Daniela Baldelli est artiste et Directrice de Rinomina, Paris/FR,
Entretien réalisé à Paris le 01.10.2016.

Daniela Baldelli: Die künstlerische Praxis von Patricia Reinhart spielt sich in zwei unterschiedlichen Medien ab. Video(installation) und Malerei.
Wie kristallisieren sich für dich Gemeinsamkeiten oder Grenzen in diesen Ausdrucksbereichen?

Patricia Reinhart: Es handelt sich um zwei völlig unterschiedliche Herangehensweisen, die eigentlich nicht vergleichbar sind, und dann aber im Endergebnis einander doch ergänzen. In den Videos gibt es komplexere Zusammenhänge, die mehrere Schritte brauchen und es kann bis zu zwei Jahre dauern, bis die Arbeit endgültig fertig ist. Jeder einzelne Schritt, jedes einzelne Element wird von mir selber gemacht, also von der Aufnahme, der Darstellung, dann der Montage (ciné collage), der Komposition. etc. Im Gegensatz dazu kann ich In der Malerei sehr viel direkter meine Inhalte auf die Leinwand bringen.

DB: Wenn ich deine neuen Bilder aus der Serie Patience betrachte, bemerke ich, dass sie nicht in mehreren Schichten aufgebaut wurden im Gegensatz zu früheren Malereien.

PR: Es ist ein unmittelbares Bedürfnis direkt mit Farbe ohne Vorskizze auf die weiße Leinwand mit Pinsel zu malen. In der Malerei dominiert das aktive Moment des Tuns und hat ganz andere Rahmenbedingungen als die Arbeit am Video. Ich kann zB keine 2 Schritte zurückgehen wie beim Video. Wenn eine Idee scheitert, ist das Bild zerstört, ein falscher Strich ruiniert die gesamte Komposition.

DB: Es ist so, als ob man dieses Wagnis spüren könnte. Gibt es für dich bestimmte Bedingungen, die während der Durchführung der malerischen Geste nötig sind?

PR: In der neuen Serie Patience male ich ausschließlich mit Aquarell, diese Technik verlangt eine andere Herangehensweise. Ich arbeite in mehreren Phasen, meistens gibt es drei verschiedene. Jede Geste ist metikulos, fast hypnotisch geführt, bis zu dem Moment, in dem man weiss, dass man aufhören muss.

DB: Man merkt bei deinen Bildern deutlich, dass es eine bestimmte Bewegung geben muss, denn es ist fast so, als ob der Strich seine Richtung ändern würde. Drehst Du deine Bilder beim Malen?

PR: Ja. Weil sich die malerische Gestik repetetiv wiederholt, möchte ich aufgrund des Drehens der gesamten Komposition eine andere Tiefe geben. Ich breche die Situation und bringe damit eine neue kausale hinein.

DB: Wie ist der Moment des Aufeinandertreffens dieser Teile im Bild?

PR: Ich drehe, um zu verhindern, dass die Farbe ungewollt in eine andere Farbe rinnt. Und wiederum kontrolliere ich bewusst das Rinnen der Farben, wenn ich möchte, dass verschiedene Farbflächen aufeinander treffen …

DB: Ein gutes Bespiel für diese Handhabung beim Malen sieht man in dem Bild Patience III.

PR: Ja, erst durch das Drehen bleibt der mittlere Teil des Bildes von Farbe unberührt. Da das Bild an der Wand lehnt, und wenn ich sehr viel Wasser mit der Farbe verwende, ist ein Rinnen unausweichlich.

DB: Man sieht immer die Stelle, das Zusammentreffen, die Kollision der Farben ist nie versteckt. Du malst nie eine Schicht drüber.

PR: Das Malen passiert meistens mit einer Gelassenheit und harmonischen Geste. Die Farbe ist und darf sein, so wie sie ist und erzeugt eine Dynamik von Farbtönen ohne einen dramatischen, expressiven Farbauftrag. Die Bilder entstehen in einer Ruhe, wo ich mir Zeit lasse und im richtigen Moment einen Teil fortsetze.

DB: Es gibt immer die Möglichkeit, dass eine Farbe mit der anderen nicht harmoniert. Dennoch wird die Möglichkeit des Scheiterns von dir nicht versteckt. Für mich ist es von großer Bedeutung zu spüren, wie du diese Verantwortung trägst. Es scheint, als ob diese Zusammenkunft indirekt mit deiner Arbeit an deinen Videos, in denen du meisterhaft die Szenerien komponierst, beeinflusst wird. Das liebe ich an deinen Bildern, dass du diese Evidenz der Begegnung von Farben sichtbar machst.

Daniela Baldelli ist Künstlerin und künstlerische Leiterin von Rinomina, Paris/FR,
Interview geführt in Paris am 01.10.2016.

An acausal connection of a significant coincidence of physical and psychological phenomena.
(C. G. Jung)

SYNCHRONICITY is an ongoing art and exhibition project by artist Patricia Reinhart dealing with the phenomena of synchronicity in relation to an artwork's various medias and presentation. Consisting of several exhibition forms and taking place at various intervals, selected works of hers will be installed and shown in public space and other spaces.

The 1st event was a video installation with a public screening of the video work "Die ihr Brot mit Tränen aß (Requiem for an Unendurable Paradise)" at the Canal St. Martin in Paris (June 2014).

The 2nd event was a performative installation with multiple Versatzstücke in the artist's private apartment, rue de l'exposition, in the 7th arrondissement in Paris (December 2014).

The 3rd event was a video installation with a found wood stick and fabrics in the cliffs of Cassis, FR (July 2015).

The 4th event was a video installation of an excerpt scene from the recent video work "Anoir and the woman in the garden" on a book from and in the library of the Camargo Foundation in Cassis, FR (August 2015).

It was a late Sunday afternoon in the summer of 2014, when I met Patricia Reinhart for the first time. Introduced by a mutual friend of ours, we ended up spending a rainy afternoon together on the terrace of Palais de Tokyo.

The summer came and went. The next time when we saw each other was at a group exhibition entitled 48°28’39”N 2°12’47”E - Les pierres se battent entre elles, in which Patricia was participating with her video work Die ihr Brot mit Tränen aß (Requiem for an unendurable paradise). Yet the context for a screening sounded rather demanding, as the exhibition took place in direct sunlight in a middle of a forest, with no electricity on hand. Leaving the chance for the unexpected though, as she usually does in her work, Patricia had discovered an abandoned tent in the very same spot where the exhibition was bound to be. Screened inside the tent, this work revealed to be a combination of video material and still photographs. This technique entitled ciné-collage, developed by Patricia herself, allows the use of photographs as painterly layers, creating thus a singular texture for the work. In the video, a woman follows a desolate path, from rural to urban purgatory: the scenery changes from the pool to the stormy sea, from the garden to the burning city of Wien. Profound patterns of symbolism accumulate: antagonistic yet complimentary symbols of life and transformation - water and fire - are playing important roles in her work. While water in movement constitutes a symbol for a transitory state between different possibilities, those accomplished and those still to emerge, the fire stands for death and rebirth, purification and illumination. I still recall that afternoon very well; it was my first encounter with Patricia’s work, surrounded by a highly contrasting context.

In December, I received a small handwritten envelope by mail, containing an exclusive invitation for Patricia’s solo show, a performative installation entitled Synchronicity Part 2, (The Black Velvet Room Paris), a follow-up for the installation and public screening organized at the Canal St. Martin the previous summer. The address was aptly to be found at Rue de l’Exposition, in a rather posh area of the 7th arrondissement: after being received by a blond vamp dressed in a fur coat, I was led into a private apartment enveloped entirely in black. A mixed scent of cigarettes and perfume was lingering in the apartment, while the guests were sipping wine and chattering in low voices. Reminiscent of a Freudian setup, the space was constructed in an intimate dialogue with her works: I had the impression as if the whole apartment was actually a stage with a mise-en-scène, and we, the guests, were the actors of this play.

All the works on display were projected and installed in a non-classical way: a screening of her video Die ihr Brot mit Tränen aß (Requiem for an unendurable paradise) was projected from an open window on the wall of the neighboring building, a super 8 film projection of Ophelia was projected on the back of a painting, a paper with a handwritten love poem was rotating on a record player … The ensemble created surprising encounters in the exhibition space: the entity floated into an opaque gradual degradation of surroundings and eventually, allowing me to forget where I was.

Many things happened over the long winter months: during these months, when our friendship got deeper, I also discovered probably Patricia’s most intimate series of work: her self-portraits. This series started in 2001 when she arrived to Paris for the first time, and has been an ongoing project ever since: it is a way to record the past, yet actively to reconstruct a new paragraph. In this series, a form of double-portraits unfolds itself, and an image finds itself captured in another portrait. This self-reflective approach allows mirroring the subject both as familiar and as subconscious, while a self-narrative takes place within the framework. Despite the series’ intimacy, the photos nevertheless impose a distance, exactly because of their form: self-portraiture allows oneself being a tourist in one’s own reality with a hidden gaze, drifting away into a soft abstract pastness.

At this moment, when writing this text, almost one year has passed since our first encounter: our meeting, perhaps an arbitrary one, has become a meaningful narrative. It seems like an eligible way to conclude this text in presenting Patricia’s latest work. A shift towards new techniques and experimentations with her series entitled Patience, aquarelles on linen dating from 2015, can be observed. They enter in a constructive dialogue with her previous body of work - yet a clear shift in time and space can be observed. The new direction suggests that the chapter is about to reach its end, after having leafed through some torn pages. The figure of a woman is arriving at her destination after the apocalyptic series of events, and a moment of reconciliation reveals itself: a serene garden is looming out in the horizon, but still with the presence of gentle and soft shadows.